Matías Duville

Acerca del artista Matías Duville
Nace en Buenos Aires, Argentina (1974)
Vive y trabaja en Buenos Aires y Mar del Plata, Argentina

Matías Duville, Doble Fantasia red sunset, 2019, sanguina sobre papel, 188cm x 300cm. Cortesía de Juan Manuel Marcucci

Matías Duville, Doble Fantasia red sunset, 2019, sanguina sobre papel, 188cm x 300cm. Cortesía de Juan Manuel Marcucci.

Detalle de obra
Nombre del artista: Matías Duville
Título de la obra, fecha: Big Bang America, 2019
Materiales: Roca, caño doblado, cactus, ciprés
Dimensiones: 350 x 1500 x 150 cm (alto x largo x ancho)

Descripción de obra
Los paisajes experimentales de Matías Duville presentan representaciones torturadas de elementos orgánicos que exponen hechos desconcertantes de geografía, evolución e industria. En Big Bang America (2019), Duville interroga el orden establecido a través de expresiones simbólicas y físicas. En esta escultura a gran escala, una roca aplasta una tubería, la clava al suelo y envía ambos extremos al cielo. De los agujeros en los extremos opuestos del tubo en forma de V emergen símbolos de dos climas distantes: un cactus del desierto en un extremo y ramas de un ciprés conífero en el otro. La presión ejercida por la roca en la tubería es la génesis de toda la escena y una propuesta abierta al espectador. Las extremidades dentro de la pieza ilustran múltiples temas de división, incluidas las especies de plantas introducidas en nuevos ecosistemas, el acero aplastado por la piedra y la linealidad descarrilada. En este trabajo y en otros, Duville desafía a los espectadores a considerar el impacto de la industria en el planeta y lo que sucede cuando la naturaleza es subvertida y alterada por una fuerza artificial.

Agradecimientos especiales a Galería Revolver, Barro, y Galería Luisa Strina.

Eventos
Charla de artista | Viernes 6 de diciembre, 4.15 a 4.45 p. m., Collins Park
Matías Duville habla acerca de su contribución a la exhibición “Disrupciones”, curada por Florencia Battiti y Diana Wechsler, y presentada por Art Basel Cities: Buenos Aires.

Información importante de la exhibición
Por favor, no tocar ni trepar.

Biografía
Las mutaciones, el paso del tiempo y la interacción entre ficción y realidad son un territorio fértil en los dibujos, esculturas e instalaciones de Matías Duville. Más recientemente, ha comenzado a incorporar investigaciones en el campo del sonido. Duville estudió artes visuales en la Escuela de Artes Visuales M.A. Malharro en Argentina, y desde entonces ha participado en una serie internacional de residencias y becas, incluida la Residencia Internacional de Artistas en Argentina (2005); la beca Civitella Ranieri, Italia (2007); la beca John Simon Guggenheim Memorial Foundation, Estados Unidos (2011); y una residencia con LARA – Latin America Roaming Art en las Islas Galápagos (2016). Su obra ha sido expuesta en museos y galerías en Perú, Estados Unidos, Francia, Colombia, Argentina, Reino Unido, Chile, Italia y España, incluyendo el Drawing Center, Nueva York (2013); el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2013); la École des Beaux-Arts, París (2013), el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (2015); Museo de Arte Moderno de Nueva York (2017); y muchos otros. Duville vive y trabaja en Buenos Aires y Mar del Plata, y enseña en la Universidad Torcuato Di Tella en Buenos Aires.

Representación
El artista es representado por Galería Revolver, Buenos Aires y Lima; Barro, Buenos Aires; y Galeria Luisa Strina, São Paulo. 

Información de contacto
Giancarlo Scaglia, Galería Revolver
+51 987 989 614
Carla Guardiola, Galería Revolver
+51 944 260 532

 

Graciela Hasper

Acerca de Graciela Hasper
Nace en 1966, Buenos Aires, Argentina
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina

Graciela Hasper, Intemperie, 2019, vinilo sobre vidrio. Cortesía de Fundación Santander.

Graciela Hasper, Intemperie, 2019, vinilo sobre vidrio. Cortesía de Fundación Santander.

Detalles de obra
Nombre de la artista: Graciela Hasper
Título de la obra, fecha: Intemperie, 2019
Materiales: Aluminio pintado
Dimensiones: Dimensiones totales variables, cada cubo es de 300 x 300 x 300 cm

Descripción de obra
Durante más de dos décadas, la obra de Graciela Hasper estuvo definida por colores planos agudizados en potentes ángulos. En su instalación Intemperie, Hasper traduce esta estética en una serie de cubos de aluminio pintados que son al mismo tiempo encerrados y expuestos. El público puede ingresar y estar inmerso en estas estructuras abiertas permitiendo que la paleta cromática altere su percepción mientras que los elementos colgantes marcan el espacio negativo. Como puntos de referencia, estos elementos provocan vistas constantemente cambiantes dependiendo de si la obra se experimenta desde fuera o desde dentro. El emplazamiento de la instalación – en medio del corredor de circulación – yuxtapone la pasividad urbana contra la actividad inmersiva propuesta generando una dislocación de los transeúntes. En cualquier situación, la transición desde el exterior al interior de los cubos permite al espectador experimentarlos en su totalidad a través de las modificaciones sensoriales que desencadena. La palabra “intemperie” refiere a una intensificación de los distintos significados de la obra y es ahí que Hasper forja un entorno híbrido que produce una nueva belleza a la vez que presenta un hábitat protegido desde donde experimentarla.

Créditos de producción
Constructor: Dante Martínez Tisi Custom Metal Manufacturers.

Agradecimientos especiales a Laureen Bates, Marina Pellegrini, Hernáan Zavaleta, Dante Tisi, y Esteban Tedesco. 

Eventos
Charla de artista | Sábado 7 de diciembre, 2.15 a 2.45 p. m., Collins Park
Graciela Hasper habla acerca de su contribución a la exhibición “Disrupciones”, curada por Florencia Battiti y Diana Wechsler, y presentada por Art Basel Cities: Buenos Aires. 

Información importante de la exhibición
Por favor, no treparse.

Biografía
Basándose en la riqueza de la tradición de arte abstracto y concreto de América Latina, Graciela Hasper incorpora el dibujo, la pintura y la fotografía en obras e instalaciones a gran escala que exploran la geometría, el color y la fluidez de las formas. Sus piezas específicamente localizadas tienden hacia la arquitectura y usan el color para crear experiencias poderosas e inmersivas. Su formación incluye varios talleres en el estudio de Diana Aisenberg en Buenos Aires (1988–1991) y el programa de Beca Kuitca-Fundación Antorchas (1991–1993), así como residencias en Art Omi, Nueva York (1997); Apexart (con una subvención de Fulbright-Fondo Nacional de las Artes), Nueva York (2000); Fundación Chinati, , Marfa, Texas (2002); y el Centro Bellagio de la Fundación Rockefeller, Italia (2005). Las instalaciones principales incluyen Untitled en el Faena Forum, Miami (2016), Notas de Luz en Usina del Arte, Buenos Aires (2016); y Rotación en la estación Catalinas de la línea E del subte, Buenos Aires (2019). Sus exposiciones incluyen  ‘Gramática del Color’ en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (AR); ‘Intemperie’ en Fundación Banco Santander (AR); ‘Proximities’ en Dot Fiftyone Gallery (US) y ‘Unexpected’ en Sicardi Ayers Bacino Gallery (US), entre otras.

Sus exposiciones  incluyen ‘Gramática del Color’ at Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2013),  «Proximities» en Dot Fiftyone Gallery, Miami (2018); y «Unexpected» en Sicardi Ayers Bacino, Houston (2019). Su trabajo también ha sido presentado en las exposiciones colectivas, ‘Beginning with a Bang! From Confrontation to Intimacy’, Americas Society, New York (2007), «Recovering beauty» en el Museo de Arte de Blanton, Austin (2011); ‘My Buenos Aires’ en Maison Rouge, París (2015); y «Tácticas luminosas» en la Colección Fortabat, Buenos Aires (2019).

Representación
La artista es representada por Galería Vasari, Buenos Aires; Dot Fiftyone, Miami; y Sicardi Ayers Bacino, Houston.

Información de contacto
Marina Pellegrini
+54 911 4047 7806 o +54 11 4328 5237

Marie Orensanz

Acerca de la artista Marie Orensanz
Nace en 1936, Mar del Plata, Argentina
Vive y trabaja en París, Francia

Marie Orensanz, Invisible, 2019, acero corten, 118.11 x 55.51 x 29.53 in (300 x 141 x 75 cm), Foto de Nacho Iasparra, cortesía de Ruth Benzacar Galería de Arte.

Marie Orensanz, Invisible, 2019, acero corten, 118.11 x 55.51 x 29.53 in (300 x 141 x 75 cm), Foto de Nacho Iasparra, cortesía de Ruth Benzacar Galería de Arte.

Detalles de obra
Nombre de la artista: Marie Orensanz
Título de la obra, fecha: Invisible, 2018
Materiales: Hierro
Dimensiones:  300 x 141 x 75 cm

Descripción de la obra 
Invisible es una escultura de hierro en forma de ojo de cerradura de tres metros de altura creada por Marie Orensanz, una pionera del arte conceptual conocida por sus incursiones experimentales en filosofía, matemáticas y geometría. La estructura, a través de la cual pueden pasar los espectadores, presenta la palabra «invisible»  calada en su arco superior y solo es evidente para aquellos que se encuentran directamente debajo de él. Este es un elemento distintivo del trabajo de Orensanz, en el que con frecuencia emplea un lenguaje que simultáneamente enriquece y desestabiliza las lecturas potenciales de la obra. Tales juegos de lenguaje evocan los conceptos filosóficos desarrollados por Ludwig Wittenstein, quien postuló que el significado de una palabra u oración se basa completamente en el contexto, o la «regla» del «juego» que se está jugando. Aquí, Orensanz sugiere un juego con la palabra «invisible», que por supuesto contiene su opuesto, «visible», que es evidente u oculto, dependiendo de la proximidad del espectador a la pieza. A medida que los espectadores se mueven a través y alrededor de la escultura, las letras perforadas ofrecen una invitación para ver más allá de lo que está frente a sus ojos y considerar las posibilidades de la imaginación.

Créditos de producción
Fabricante: Dante Martínez Tisi Fabricantes de Metales Personalizados. 

Agradecimientos especiales a Jorge y Darlene Perez; Patricia Garcia-Velez Hanna; Anelys Alvarez; Mercedes, Rosario y Maria Audras; Galería Ruth Benzacar; y Alejandra von Hartz Gallery.

Eventos
Charla de artista | Sábado 7 de diciembre, 4.15 a 4.45 p. m., Collins Park
Marie Orensanz habla acerca de su contribución a la exhibición “Disrupciones”, curada por Florencia Battiti y Diana Wechsler, y presentada por Art Basel Cities: Buenos Aires. 

Información importante de la exhibición
Está invitado a caminar a través de la obra. 

Biografía
Una venerada figura del arte argentino, Marie Orensanz explora temas de fragmentación e incompletitud a través de esculturas poéticas, instalaciones, dibujos y fotografías. Después de estudiar con Emilio Pettoruti y Antonio Seguí, se mudó a París y en 1964 recibió el primer premio en el salón de la Union des Femmes Peintres et Sculpteurs. En 1973 se mudó a Milán y escribió el manifiesto EROS, en el que empleó por primera vez su famosa frase, «Pensar es un hecho revolucionario», que también es el nombre de su escultura icónica en el Parque de la Memoria en Buenos Aires. Sus piezas se han exhibido en todo el mundo, incluido el Centro Georges Pompidou y la Bibliothèque Nationale en París; el museo Neues Weserburg, Bremen, Alemania; y el Museo de Arte Latinoamericano Contemporáneo de Managua, Nicaragua, entre muchos otros. Las exposiciones individuales recientes incluyen ‘Marie Orensanz: Variaciones sobre un mismo tema’ en el Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino en Rosario, Argentina (2003), y la retrospectiva ‘Marie Orensanz: Obras 1963–2007’ en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2007). Orensanz también participó en la aclamada muestraencuesta ‘Mujeres radicales: arte latinoamericano, 1960-1985’, comisariada por Andrea Giunta y Cecilia Fajardo, que se presentó en el Museo Hammer, Los Ángeles (2017), el Museo de Brooklyn, Nueva York ( 2018), y la Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brasil (2018).

Representación
La artista es representada por  la Galería Alejandra von Hartz (Miami), School Gallery Olivier Castaing (Paris), Galería Sicardi Ayres Bacino (Houston), y Galería Ruth Benzacar (Buenos Aires).

Información de contacto
Alejandra von Hartz
+1 305 438 0220  o +1 305 322 6112 

Pablo Reinoso

Acerca del artista Pablo Reinoso
Nace en 1955, Buenos Aires, Argentina
Vive y trabaja en París, Francia

Pablo Reinoso, Still Tree, 2019, Acero galvanizado, madera tratada, 7,5 x 3 x w. 2 m, Cortesía de Florian Kleinefenn.

Pablo Reinoso, Still Tree, 2019, Acero galvanizado, madera tratada, 7,5 x 3 x w. 2 m, Cortesía de Florian Kleinefenn.

Detalles de la obra
Nombre del artista: Pablo Reinoso
Título de la obra, fecha: Still Tree, 2019
Materiales: Acero galvanizado, madera tratada (fumigada para cumplir con la norma NIMP15)

Dimensiones
Obra más la base: 750 x 300 x 200 cm (alto x largo x ancho)
Dimensiones base: 0,20 x 3 x 2 m (alto x largo x ancho)
Peso total (aproximado): 1150 kg. Tronco: 600 kg. Base: 300 kg. Parte de metal: 250 kg.

Descripción de obra
El trabajo del artista, diseñador, escultor y arquitecto Pablo Reinoso es inherentemente interrogativo, diseñado  concebido para cuestionar la forma, la función y el espacio físico que ocupan los objetos. Sus estructuras a gran escala, a menudo funcionales, contrarrestan su propósito al unir opuestos, explorar nuevos caminos y superar los límites de la posibilidad. En Still Tree (2019), Reinoso encierra un árbol desarraigado dentro de una escultura protectora de hierro, una evocación de la batalla ambiental titánica contra la contaminación. Este esqueleto de metal funciona como un escudo para el tronco del árbol muerto y emula las condiciones protectoras que ofrece la armadura medieval a los cuerpos de los soldados. Anteriormente, la paradigmática serie de «Espaguetis» de Reinoso (2006) evolucionó de bancos de madera a ramas vivas que podían crecer, trepar y proliferar con libertad ilimitada. Como reacción al uso excesivo de la naturaleza, Still Tree adquiere nuevas dimensiones conmovedoras cuando se coloca dentro de un estado que enfrenta amenazas ambientales especiales, incluso a ecosistemas en riesgo como los Everglades.

Créditos de producción
Pablo Reinoso Studio y Fonderie de Coubertin.

Agradecimientos especiales a Stéphane Custot y Waddington Custot. 

Eventos
Charla de artista | Viernes 6 de diciembre, 2.15 a 2.45 p. m., Collins Park
Pablo Reinoso habla acerca de su contribución a la exhibición “Disrupciones”, curada por Florencia Battiti y Diana Wechsler, y presentada por Art Basel Cities: Buenos Aires. 

Información importante de la exhibición
Por favor, no treparse ni tocar. 

Biografía
Profundamente influenciado por su herencia franco-argentina, su abuelo introdujo a Pablo Reinoso en la carpintería y comenzó a crear sus propios muebles a los seis años. Reinoso estudió en la Universidad de Buenos Aires, donde centró sus esfuerzos en la arquitectura junto con otras disciplinas artísticas, incluida la fotografía y el diseño. Su trabajo busca subvertir los objetos cotidianos y transformar su función prevista a través de interpretaciones escultóricas surrealistas a gran escala hechas de acero, latón, madera, metal y mármol, cada pieza diseñada para inspirar conversación, reunión y conexión. Su obra se encuentra en colecciones públicas como el Museu de Arte Moderna de São Paulo y el Fonds National d’Art Contemporain en París, y ha sido incluido en exposiciones grupales en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York (2008); Museo Reina Sofía, Madrid (2009); y el Musée des Arts Décoratifs, París (2018). Además, tuvo exposiciones individuales en el Museu de Arte Moderna de Bahía, Brasil (1996), y el Museo de Arte Latinoamericano (MALBA), Buenos Aires (2009). Reinoso también ha expuesto internacionalmente en la Trienal de Arte Echigo-Tsumari (2000, 2006) en Japón y en la Bienal de Venecia (2019).

Representación
El artista es representado por la Galería Waddington Custot, Londres;  Custot Gallery, Dubai; Xippas Galeries, Paris, Ginebra, y Montevideo; Johyun Gallery, Busan; y Carpenters Workshop, Paris, Londres, New York, y San Francisco.

Información de contacto
Roxana Afshar, Waddington Custot
+44 788 917 7676

Marcela Sinclair

Acerca de la artista Marcela Sinclair
Nace en 1972, Buenos Aires, Argentina
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina

Marcela Sinclair, Derrame (Derrame), 2019, pequeñas piedras pintadas alrededor, dimensiones variables. Pieza específica del sitio para el espectáculo Disrupciones. Art Basel Ciudades: Buenos Aires en Collins Park. Cortesía de la artista.

Marcela Sinclair, Derrame (Derrame), 2019, pequeñas piedras pintadas alrededor, dimensiones variables. Pieza específica del sitio para el espectáculo Disrupciones. Art Basel Ciudades: Buenos Aires en Collins Park. Cortesía de la artista.

Detalle de obra
Nombre de la artista: Marcela Sinclair
Título del trabajo, fecha: Derrame, 2019
Materiales: 5 m3 de piedra partida, de entre 2 y 14 cm de lado, esmalte sintético para exteriores
Dimensiones variables
Detalle de locación: 100 m2 alrededor del punto de emplazamiento de la obra Magic Mountain, de Ugo Rondinone. 

Descripción de obra
Marcela Sinclair, cuyos trabajos conceptuales exploran la relación entre geometrías y sus formas físicas, presenta Derrame, una instalación interactiva que deconstruye y reinventa un ícono de Collins Park, Ugo Rondinone’s Miami Mountain (2016), propiedad del Museo de Arte Bass. En el suelo hay miles de pequeñas piedras. Pintadas para que coincidan con la escultura en tonos neón, parecen haberse desprendido del monumento mismo. Además de las piedras, Sinclair incluye guijarros, como los utilizados en la construcción o paisajismo, piedras de playa, como una referencia más cercana al contexto local, y azulejos rotos, un guiño a la vida urbana y los parques públicos en las ciudades. La artista invita al público a apropiarse de su trabajo, y de alguna manera, del original, probando diferentes configuraciones para las rocas pequeñas, que pueden apilarse, reagruparse o manipularse a voluntad. Reflejando los intereses de Sinclair en la intervención, la monocromía y la precisión, Derrame cuestiona lúdicamente la verticalidad, la autoridad y la grandiosidad de la escultura monumental de Rondinone.

Agradecimientos especiales a Mite Galería, a José Luis Lorenzo, la Fountainhead Residency and Studios, a Agustina Woodgate, y a Esteban Álvarez.

Eventos
Charla de artistas | Jueves 5 de diciembre, 4 a 5 p. m., Collins Park
Las internacionalmente talentosas Marcela Sinclair y Agustina Woodgate se unen a las curadoras Florencia Battiti y Diana Wechsler para discutir su exhibición “Disrupciones”, presentada por Art Basel Cities: Buenos Aires. 

Información importante de exhibición
Puede interactuar con las piedras.

Biografía
Marcela Sinclair frecuentemente explora temas de desplazamiento y geometría a través de prácticas que incluyen dibujo, pintura, escultura, instalación e intervenciones específicas del sitio. Recibió un título de la Escuela Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, en 2004, donde estudió con el maestro de abstracción de posguerra Tulio de Sagastizábal. Ha creado piezas para el Ministerio de Cultura de Argentina, la Universidad Nacional de La Plata, el Centro Cultural General San Martín, el Parque de la Memoria, la Fundación arteBA y la Fundación PROA. Sinclair ha completado residencias en El Basilisco en Buenos Aires y Lugar a Dudas en Cali, Colombia (2009), y recibió una beca del Fondo Nacional de las Artes de Argentina (2012), el premio de Igualdad Cultural otorgado por el Secretario de Cultura de Argentina (2013), y primer premio de escultura del Fondo Nacional de las Artes de Argentina (2017). El trabajo de Sinclair se ha exhibido en colecciones privadas y públicas en Argentina, Uruguay, Chile, Colombia, España, Estados Unidos, Italia y Alemania, y sus exposiciones recientes incluyen ‘El futuro ya llegó (hace rato)’ en CCK – Centro Cultural Kirchner, Buenos Aires (2016); ‘Oasis’, presentado por Dixit en arteBA (2016); «Es ella una encantadora cosa» en el Museo Cerralbo, Madrid (2017); y ‘Hogar, dulce hogar. Hábitos artísticos contemporáneos «en MUNTREF Museo de Artes Visuales, Buenos Aires (2018). Su exposición individual más reciente fue «Fuga, joya» en Galería Mite, Buenos Aires (2018).

Representación
La artista es representada por la Galería Mite, Buenos Aires.

Información de contacto
Nicolás Barraza, Galería Mite
+54 911 3484 1039

Agustina Woodgate

Acerca de la artista Agustina Woodgate
Nace en 1981, Buenos Aires, Argentina
Vive y trabaja entre Amsterdam (Holanda) y Miami (EE.UU).

Agustina Woodgate, Común y corriente, 2016, 12 fuentes de agua, cemento, tubos de pvc, grifos de metal, dimensiones variables. Cortesía de Barro.

Agustina Woodgate, Común y corriente, 2016, 12 fuentes de agua, cemento, tubos de pvc, grifos de metal, dimensiones variables. Cortesía de Barro.

Detalles de obra
Nombre de la artista: Agustina Woodgate
Título del trabajo, fecha: The Source, 2019
Materiales: Roca de coral (oolite), cemento, bomba de presión de agua, tuberías de agua, agua
Dimensiones: 275 x 275 x 275 cm

Descripción de obra
Enamorada de las infraestructuras como una encarnación visible de los intereses geopolíticos que gestionan los recursos mundiales, Agustina Woodgate pone el foco en el agua como una metáfora tema poético y político en The Source. Al reconocer Reconociendo al agua como un elemento fundamental del cuerpo humano y la tierra, la artista considera su impacto cuando su pureza se ve comprometida por la contaminación, el acceso bloqueado, las respuestas fallidas a los desastres naturales y otras catástrofes. Esta fuente para beber funcional y conectada al suelo, se encuentra dentro de una fachada de roca de coral y presenta un sistema expuesto de tuberías que se conectan, como un rompecabezas, a cuatro secciones que contienen múltiples fuentes. Cada uno está conectado a una tubería que extrae agua limpia y otra que libera el exceso de agua al sistema de alcantarillado local. La escultura interactiva invita al público a beber agua gratis y a reflexionar sobre los usos políticos de este precioso recurso natural. Miami Beach corre un riesgo particular de aumento del nivel del mar como resultado del cambio climático: si el acuífero de Biscayne, la fuente de agua limpia para Miami, se infiltra en el agua de mar, la ciudad y sus habitantes estarán en peligro. Al igual que muchas de las obras de Woodgate, The Source reposiciona los elementos existentes para poner en marcha eventos alternativos, ofreciendo comentarios incisivos sobre cuestiones políticas y sociales.

Créditos de producción
Asistente de producción: Kayla Delacerda
Ingeniería: Giller & Giller
Plomería: David Perez
Albañilería: Ivan Velasquez Aristy 

Agradecimientos especiales a Barro, Joaquín Barberis, Mariano Boruchowicz, Esteban Deak,  Benjamin Grappin, Love the Everglades Movement, Gregorio Nersessian, Brandi Reddick, Javier Sasson, and Stephanie Sherman.

Eventos
Charla de artistas | Jueves 5 de diciembre, 4 a 5 p. m., Collins Park
Las internacionalmente talentosas Marcela Sinclair y Agustina Woodgate se unen a las curadoras Florencia Battiti y Diana Wechsler para discutir su exhibición “Disrupciones”, presentada por Art Basel Cities: Buenos Aires. 

Información importante de la exhibición
Trepar bajo su propio riesgo. 

Biografía
La variada práctica de Agustina Woodgate gira en torno a la política espacial, la temporalidad y la imaginación radical. A menudo, a través de la selección de materiales encontrados (relojes, mapas coloniales, monedas, peluches, alfombras) por sus posibilidades metafóricas, la artista propone nuevos paisajes sociales a través de obras escultóricas e intervenciones públicas. Su instalación National Times (2016) se presentó en la Bienal de Whitney de este año en Nueva York, y se presentaron otros proyectos en la Bienal de las Américas, Denver; Artport, Tel Aviv; Play Publik, Polonia; Comisión de DC de las Artes y Humanidades, Washington, D.C .; Kulturpark, Berlín; Proyectos de langosta, Miami; y MASS MoCA, Massachusetts. Ha realizado numerosas exposiciones individuales en instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Miami (2007, 2015); Instituto KW de Arte Contemporáneo, Berlín (2012); Faena Arts Center, Buenos Aires (2014); y el Centro de Arte y Cultura de Hollywood (2014). También ha participado en bienales y exposiciones colectivas en Montreal, Londres y Nueva York. En 2011 fundó Radio Espacio Estación, una estación de radio en línea nómada y bilingüe.

Representación
La artista es representada por Barro, Buenos Aires y Spinello, Miami. 

Información de contacto
Federico Curutchet, Galería Barro
+54 9 11 3327 9529