Ad Minoliti

(1980, Buenos Aires, Argentina)
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina

Ad Minoliti, ‘Queer Modulor’, vista de la exhibición en Beta Local, Puerto Rico, 2016. Cortesía de Galería Agustina Ferreyra, San Juan, Puerto Rico.

Ad Minoliti, ‘Queer Modulor’, vista de la exhibición en Beta Local, Puerto Rico, 2016. Cortesía de Galería Agustina Ferreyra, San Juan, Puerto Rico.

Simposio sobre pintura expandida y ficción especulativa
Instalación y documentación en video de un evento de un día, medidas variables.

Ubicación
Casa Victoria Ocampo

Fecha y hora
Exhibición en desarrollo del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, 12 a 20 h
Sábado 8 de septiembre, 14 a 20 h (en español).
Ingreso por orden de llegada durante el transcurso de la actividad, y sujeto a capacidad de sala.

Descripción de obra
Simposio de pintura expandida y ficción especulativa
por Ad Minoliti, con la participación de Antiprotocolo Antifachxmachx, Cristina Schiavi, Femimutante Editorial de María Ibarra y Julia Inés, Nicolás Cuello, Santiago Villanueva, Serigrafistas queer, Lucas Morgan Di Salvo y Fermín Acosta, Graciela Hasper y Archivo de la Memoria Trans.

Ya sea en sus pinturas e instalaciones, que abordan tópicos de la teoría queer, como en su rol de fundadora del colectivo artístico feminista PintorAs, Ad Minoliti no hace diferencia entre su vida y su práctica: las dos son vectores adecuados para cuestionar las jerarquías sociales tanto en el arte como en la política. Desafiando una vez más los límites del lienzo, Minoliti no solo presenta una nueva serie de pinturas y esculturas en la Casa Victoria Ocampo (la primera vivienda racionalista de Buenos Aires, encargada en 1928 por la intelectual progresista Victoria Ocampo): también ha organizado un simposio de un día de duración para explorar problemas desdeñados por la currícula académica de las escuelas de arte en Argentina. A lo largo de la historia, la Casa Ocampo supo recibir luminarias del modernismo internacional como Le Corbusier, André Malraux y José Ortega y Gasset, entre otros. Para Art Basel Cities, Minoliti cuestiona una historia de la cultura dominada por los hombres al invitar a artistas e intelectuales feministas a un diálogo crítico interdisciplinario en el edificio que hoy es sede del Fondo Nacional de las Artes. El evento será filmado y luego proyectado en loop dentro de la instalación.

Biografia
Ad Minoliti es una artista contemporánea argentina reconocida por pinturas e instalaciones que hacen uso extensivo del vocabulario de la geometría y el color. Se graduó por la Academia Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, en 2003 y posteriormente se formó como artista en la clínica de Diana Aisenberg y en el Centro de Investigaciones Artísticas, entre 2009 y 2011. Fue galardonada con numerosos premios, incluyendo becas del Ministerio de Cultura de la Argentina, el Fondo Metropolitano de las Artes de Buenos Aires y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México. Su trabajo ha sido exhibido en galerías, instituciones y museos de Los Ángeles, Puerto Rico, Londres, San Francisco, Berlín, Panamá, México, Nueva York, Miami, París, Perú, España, Irlanda, Bolivia, Chile y Austria, entre otros lugares. También participó en la Bienal del Mercosur en Porto Alegre (2015), en la Trienal de Achi en Japón (2016) y en the FRONT International, Trienal de Arte Contemporáneo de Cleveland (2018). Este año Minoliti será residente en Casa Wabi, Oaxaca, y Kadist Foundation, San Francisco.

Cortesía
Ad Minoliti es una artista representada por Galería Agustina Ferreyra, San Juan; Galerie Crèvecoeur, París, y Peres Projects, Berlín.

 

Alex Da Corte

(1980, Camden, New Jersey, Estados Unidos)
Vive y trabaja en Filadelfia, Estados Unidos

Alex da Corte, ‘Slow Graffiti’, vista de la exhibición en el Edificio de la Secesión, Viena, 2017. Foto: Sophie Thun. Cortesía del artista.

Alex da Corte, ‘Slow Graffiti’, vista de la exhibición en el Edificio de la Secesión, Viena, 2017. Foto: Sophie Thun. Cortesía del artista.

La Rana René, incluso, 2018
Vinilo, medidas aproximadas: 18 m x 5 m x 7 m

Ubicación
Arenas Studios

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, Arena III, 10 a 18 h

Descripción de obra
Las instalaciones inmersivas de Alex Da Corte utilizan la luz, el sonido y el color para presentar objetos e imágenes familiares de formas nuevas y perturbadoras. La Rana René, incluso es la réplica del globo utilizado para el desfile de Acción de Gracias de la tienda Macy’s, que muestra al personaje de Jim Henson. El globo fue usado repetidas veces a lo largo de los años, hasta que se desinfló al chocar accidentalmente con un árbol durante el desfile de 1991, tras lo cual no se lo volvió a emplear. Con sus globos con personajes sobredimensionados flotando a lo largo de las calles de Nueva York, el desfile de Acción de Gracias de Macy’s es una tradición auténticamente estadounidense. Pero la imagen de la Rana René atravesada por un palo insinúa una realidad más siniestra por detrás de una superficie de prosperidad. Da Corte refuerza esta impresión al situar la imagen deformada de la rana en una antigua central eléctrica. Instalada entre las varillas de acero de Arenas Studios, La Rana René, incluso está atrapada otra vez, ahora no en la pompa televisiva, sino en una abandonada catedral de la industria, sola e inmóvil para siempre.

Biografía
Alex Da Corte es un pintor, escultor y artista de la instalación cuyos  ambientes típicos de parque de diversiones logran darle un tono gótico a los motivos y recursos comunes en el pop. Da Corte estudió cine en School of Visual Arts de Nueva York y luego grabado en University of the Arts, Filadelfia, antes de obtener su título de maestría por Yale University School of Art en 2010. En 2012 fue galardonado con la Pew Fellowship in the Arts y en 2015 elegido para la Bienal de Lyon. Entre sus muestras individuales recientes se cuentan ‘Easternsports’, Institute for Contemporary Art, Filadelfia (con Jayson Musson, 2014); ‘Le miroir vivant’, Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam (2015); ‘Free Roses’, Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams (2017); ‘Slow Graffiti’, Secession, Viena (2017) y ‘Harvest Moon’, New Museum, Nueva York (2017). También formó parte de muestras colectivas en instituciones como Whitney Museum of American Art, Nueva York (2017), Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk (2016), entre otras.

Cortesía
Alex Da Corte es un artista representado por Gió Marconi, Milán

Alexandra Pirici

(1982, Bucarest, Rumania)
Vive y trabaja en Bucarest, Rumania

Alexandra Pirici, ‘Co-natural’, 2018, vista de la exhibición en el New Museum, Nueva York. Foto: Andrei Dinu. Cortesía de la artista.

Alexandra Pirici, ‘Co-natural’, 2018, vista de la exhibición en el New Museum, Nueva York. Foto: Andrei Dinu. Cortesía de la artista.

Agregado, 2017/2018
Ambiente performático, duración: 4 horas

Performances
Del jueves 6 al lunes 10 de septiembre, Frank Studio, Arenas Studios, 13 a 17 h
Del martes 11 de septiembre al miércoles 12 de septiembre.
Paseo de la Rambla, 14 a 18 h (o Arenas Studios en caso de lluvia)

Descripción de obra
En su exploración de la historia y la función de los gestos en las artes plásticas y la cultura popular, Alexandra Pirici desarrolla una coreografía compuesta de “ambientes performáticos”, espacios complejos con decenas de bailarines y actores. Para ‘Rayuela (Hopscotch)’ la artista presenta una nueva puesta de Agregado, originalmente producida para el Neuer Berliner Kunstverein, en 2017. Durante siete días, cuatro horas al día, sesenta performers recorren el espacio como un enjambre, esquivando a los asistentes. Los performers, siguiendo las instrucciones de Pirici, despliegan movimientos y sonidos que representan nuestra herencia cultural, desde las olas del océano hasta el hit de Depeche Mode “Enjoy the Silence”: este es el tipo de referencias culturales compartidas que pueden incluirse en una cápsula del tiempo para darles una indicación a los extraterrestres del futuro acerca de cómo era la vida en la Tierra. Al identificar y ennoblecer momentáneamente estos fragmentos de la conciencia colectiva, Pirici nos obliga a confrontarnos con nuestros vínculos comunes y tener la visión de la sociedad misma como un cuerpo vivo, subjetivo, hecho de recuerdos mutuos.

Listado completo de los performers que participan de la obra aquí

Biografía
Alexandra Pirici es una artista y coreógrafa rumana cuyas performances e instalaciones exploran la historia y las estructuras invisibles del poder, en espacios públicos tanto como privados. Su obra fue exhibida en el pabellón de Rumania en la 55ta edición de la Bienal de Venecia (2013); en Manifesta 10, San Petersburgo (2014); en la Bienal de Berlín (2016) y en la exhibición decenal Skulptur Projekte Münster (2017). Pirici también ha mostrado sus ambientes performáticos en Hebbel am Ufer, Berlín (2014); Centre Pompidou, París (2014); Van Abbemuseum, Eindhoven (2014-15); Museo de Arte Moderno de Varsovia (2015); Tate Modern, Londres (2015); y New Museum, Nueva York (2018), entre muchos otros espacios.

Barbara Kruger

(1945, Newark, New Jersey, Estados Unidos)
Vive y trabaja en Los Ángeles y Nueva York, Estados Unidos

Sin título (No podés vivir sin nosotras), 2018
Pintura mural, medidas aproximadas, 30 m x 68 m

Ubicación
Silos de la Antigua Junta Nacional de Granos

Fecha y hora
Inaugura el jueves 6 de septiembre. La obra permanecerá instalada por largo plazo.

Descripción de obra
Barbara Kruger es una artista estadounidense que trabaja con imágenes y palabras. Conocida por sus agudos comentarios sociales, Kruger produjo una instalación de sitio específico que integra una gran pintura mural con textos en el paisaje urbano de Buenos Aires. Sin título (No podés vivir sin nosotras) es una pintura mural de gran escala, pintada con los colores de la bandera argentina, que cubre un antiguo silo de granos en Puerto Madero. Ubicada frente al Puente de la Mujer de Santiago Calatrava, el mural tiene la leyenda “No podés vivir sin nosotras / poder / placer / propiedad / igualdad / empatía / independencia / duda / creencia / mujeres”. Abajo, la pregunta: “¿Quién posee qué?” Detrás de los silos se encuentra el Parque Mujeres Argentinas, dedicado a la lucha de las mujeres luego de décadas de invisibilidad cívica, mientras las calles aledañas conmemoran grandes figuras como Juana Manso, Marta Lynch y Manuela Sáenz. La obra, con su mensaje impetuoso y a la vez esperanzado, instalado literalmente a la cara de la ciudad, es una demostración más del compromiso feminista de Kruger, y es también una muestra de solidaridad hacia el activo movimiento de mujeres de la Argentina.

Agradecimientos
Esta obra de arte fue realizada con asistencia del Ministerio de Ambiente y Espacio Público de la Ciudad de Buenos Aires. Gracias al generoso aporte de Plavicon.

Biografía
Barbara Kruger, con sus instalaciones de gran escala en espacios públicos que incorporan textos e imágenes de los medios masivos de comunicación, se cuenta entre las artistas más influyentes de su generación. Su trabajo se ha presentado por todo el mundo. Entre más recientes muestras se cuentan:‘Belief + Doubt’, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C. (2012); ‘Believe + Doubt’, Kunsthaus Bregenz (2013); ‘In the Tower: Barbara Kruger’, National Gallery of Art, Washington, D.C. (2016); y ‘Base’, Stedelijk Museum, Ámsterdam (2017). Su trabajo también ha sido  exhibido en muestras grupales como ‘Fire and Forget: On Violence’, KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2015); ‘Co-thinkers’, Museo de Arte Contemporáneo Garage, Moscú (2016); ‘An Incomplete History of Protest: Selections from the Whitney’s Collection, 1940-2017’, Whitney Museum of American Art, Nueva York (2018); ‘Unspeakable: Atlas, Kruger, Walker’, Hammer Museum, Los Ángeles (2018) y ‘Brand New: Art and Commodity in the 80s’, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C. (2018).

Cortesía
Barbara Kruger es una artista representada por Sprüth Magers, Berlín, Londres y Los Ángeles; y Mary Boone Gallery, Nueva York.

David Horvitz

(1982, Los Ángeles, Estados Unidos)
Vive y trabaja en Los Ángeles, Estados Unidos

David Horvitz, When the Ocean Sounds, 2018, impresión de cartel sobre lona PVC, instalación pública en el Puerto de Gante como parte de artlead.net’s Billboard Series. Foto: Michiel De Cleene. Cortesía del artista y ChertLüdde, Berlín.

David Horvitz, When the Ocean Sounds, 2018, impresión de cartel sobre lona PVC, instalación pública en el Puerto de Gante como parte de artlead.net’s Billboard Series. Foto: Michiel De Cleene. Cortesía del artista y ChertLüdde, Berlín.

Señalamiento del cielo (Signaling the Sky), 2018
Doscientos globos, cada uno con una cuerda de una milla (1600 m) medidas variables

Fecha, hora y lugar
Viernes 7 de septiembre, 17 a 19 h
Biblioteca Nacional Mariano Moreno 
Domingo 9 de septiembre, 16 a 18 h
Frente costero (Nuevas ramblas)
Miércoles 12 de septiembre, 16 a 18 h
Ex Cervecería Munich

Descripción de obra
El artista estadounidense David Horvitz, en cuyo trabajo suelen yuxtaponerse los sistemas creados por el ser humano y los fenómenos naturales, creó Señalamiento del cielo (Signaling the Sky), una serie de performances que alientan la participación del público, especialmente de los niños. La obra llega a la concreción mediante la suelta de doscientos globos de helio en cada una de las tres locaciones elegidas. La ruta espontánea que toma la cuerda de cada globo a medida que desaparece en el aire es un homenaje al artista francés Marcel Duchamp, que pasó una temporada en Buenos Aires entre 1918 y 1919, de la que no se sabe mucho. Durante este período, el padrino del arte conceptual le envió a su hermana una serie de instrucciones para una obra que tituló Unhappy Readymade [Readymade infeliz]: colgar un libro de geometría de una cuerda de ropa a la intemperie, a merced de las cambiantes condiciones del tiempo. Señalamiento del cielo (Signaling the Sky) también emparda la precisión aritmética (cada cuerda mide exactamente una milla) con la impredictibilidad de las fuerzas naturales. La obra ilustra la sublime debilidad humana frente a la naturaleza. El paisaje aéreo que generan los globos es la celebración de un ritual colectivo y al mismo tiempo una crítica de la ciudad industrializada, que nuestros ojos dejan de mirar absorbidos por lo que ocurre en el cielo. El título, además, es una referencia al artista conceptual argentino Antonio Vigo, cuya serie Señalamientos nos invita a percibir los objetos cotidianos como readymades.

Agradecimientos
Esta obra de arte fue realizada con asistencia del Ministerio de Ambiente y Espacio Público de la Ciudad de Buenos Aires. Se agradece especialmente a Indura.

Biografía
David Horvitz es un artista conceptual estadounidense, reconocido por una obra que se despliega en disciplinas y temáticas diversas. Fundador de Porcino gallery en Berlín, Horvitz estudió en University of California, Riverside, y recibió su maestría en Bard College. Sus recientes muestras individuales incluyen ‘POST’, Kunsthal Charlottenborg, Copenhague (2013); Art Basel Statements, presentado por ChertLüdde, Basilea (2013); ‘Gnomons’, New Museum, Nueva York (2014); ‘Situation #20’, Fotomuseum Winterthur (2015) y ‘Água Viva’, Belo Campo, Lisboa (2018). Su trabajo también fue presentado en muestras colectivas como ‘Ocean of Images: New Photography 2015’ MoMA, Nueva York (2015); ‘The Distance of a Day: New in Contemporary Art’, Museo de Israel, Jerusalén (2016); ‘Sea’, MOCAK, Museo de Arte Contemporáneo de Cracovia (2016); ‘Tidalectics’, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21), Viena (2017); ‘Days are Dogs: Carte blanche à Camille Henrot’, Palais de Tokyo, París (2017); y ‘Take me (I’m Yours)’, Villa Medici, Roma (2018). Entre sus muchos libros de artista podemos mencionar Sad Depressed People (New Documents, Los Ángeles, 2012); Stolen Spoons (Pork Salad Press, Copenhague, 2015); Océan (Yvon Lambert, París, 2017); y A Disappearance from Winschoten (Shelter Press, Rennes, 2017).

Cortesía
David Horvitz es un artista representado por ChertLüdde, Berlín.

 

Eduardo Basualdo

(1977, Buenos Aires, Argentina)
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina

Eduardo Basualdo, The End of Ending (El fin del desenlace), 2012, aluminio, 10m x 8m x 5m. Cortesía del artista y PSM Gallery, Berlín.

Eduardo Basualdo, The End of Ending (El fin del desenlace), 2012, aluminio, 10m x 8m x 5m. Cortesía del artista y PSM Gallery, Berlín.

Perspectiva de la ausencia, 2018
Efímeras y en curso durante todo el proyecto

Ubicación
Asociación Argentina de Pesca

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, 12h a 20h

Descripción de obra
Eduardo Basualdo, conocido por sus esculturas de gran porte, filosóficas y enigmáticas, para esta ocasión ha invadido una franja de ochocientos metros de largo de un muelle de pesca sobre el Río de la Plata. A lo largo de la costanera se ven refugios de pescadores: aquí tiene su sede, desde 1934, la Asociación Argentina de Pesca. Hoy el muelle, situado en las lindes de la Reserva Ecológica Costanera Sur, está casi olvidado, excepto para unos pocos pescadores que todavía vienen. Inspirado por la forma en que la comunidad se relaciona con el río, mediante el ritual social de la pesca, Basualdo, un artista interesado hace tiempo en las relaciones de los cuerpos y los espacios, ha colocado instalaciones escultóricas y performáticas dentro de los refugios y a lo largo del muelle con las que los espectadores pueden interactuar. Las obras ocasionalmente cobran movimiento (muchas, gracias a una fuente de electricidad, otras, simplemente debido al calor y el viento) y el recorrido concluye con una instalación a gran escala al final del muelle. Pero al igual que la costanera, que se encuentra en peligro, estas intervenciones son temporarias: el tiempo las erosionará y las hará desaparecer.

Biografía
Tomando elementos de la literatura, la teoría psicoanalítica y el cine, el artista multimedia Eduardo Basualdo se especializa en la producción de objetos siniestros y en la construcción de ambientes que subvierten la relación que los espectadores tienen con el espacio. Con formación actoral y en teatro de títeres, Basualdo formó parte de la Beca Kuitca en la Universidad Torcuato Di Tella, entre 2010 y 2011. Su trabajo ha sido exhibido en las bienales de Lyon (2011), Montevideo (2012), Gwangju (2014), Venecia (2015) y La Habana (2015). Entre sus recientes muestras individuales se cuentan: ‘Nervio’, Musée Départemental d’Art Contemporain de Rochechouart, Limoges (2013); ‘The End of Ending’, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C. (2016) y Museu Brasileiro de Escultura e Ecologia, San Pablo (2017) y ‘La Cabeza de Goliat’, La Usina del Arte, Buenos Aires (2018). Desde 2003 a la fecha Basualdo integra el colectivo Provisorio/Permanente, un grupo de cuatro artistas con el que desarrolla instalaciones teatrales.

Cortesía
Eduardo Basualdo es un artista representado por Ruth Benzacar, Buenos Aires; Galeria Luisa Strina, San Pablo; y PSM Gallery, Berlín.

Eduardo Navarro

(1979, Buenos Aires, Argentina)
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina

Eduardo Navarro, In collaboration with the Sun, 2017, siete trajes espejados y sincronización solar, dimensiones variables. Foto: Margarita Ogolceva. Cortesía del artista y Galería Nara Roesler, San Pablo/Río de Janeiro/Nueva York.

Eduardo Navarro, In collaboration with the Sun, 2017, siete trajes espejados y sincronización solar, dimensiones variables. Foto: Margarita Ogolceva. Cortesía del artista y Galería Nara Roesler, San Pablo/Río de Janeiro/Nueva York.

Polenphonia, 2018
Coreografía musical para siete flautistas medidas variables

Ubicación
Jardín Botánico

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, 13 a 17 h

Descripcion de obra
El trabajo de Eduardo Navarro desafía toda clasificación: su producción abarca la performance, el dibujo y las instalaciones de gran escala que cuestionan las condiciones de posibilidad del arte en el mundo natural. Fascinado por nuestras percepciones biológicas, Navarro a menudo trabaja con performers (comenzando por él mismo), los cuales no solo operan como actores, sino como agentes cuyos cinco sentidos guían el significado y la dirección de la obra de arte. Durante Polenphonia, siete flautistas se pasean por los entreveros del idílico Jardín Botánico usando máscaras especialmente diseñadas por Navarro para acrecentar su sentido del olfato. En este estado de híper sensibilidad, improvisan una sinfonía que responde a las fragancias florales y las canciones de los pájaros del jardín, por un lado, y por otro polinizan la atmósfera del lugar con abundantes sonidos.

Biografía
Eduardo Navarro investiga diferentes maneras de transformar nuestros sentidos para llegar a una comprensión distinta de nuestro mundo. Su trabajo abarca desde esculturas de gran escala hasta instalaciones participativas que investigan la empatía y la contemplación. Entre sus recientes muestras individuales se cuentan: ‘Órbita’, Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires (2013); ‘Octopia’, Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México (2016); ‘We Who Spin Around You’, High Line Art, Nueva York (2016); ‘Into Ourselves’, Der Tank, Basilea, y Drawing Center, Nueva York (2017-18). Su trabajo también fue presentado en instancias colectivas como la Bienal del Mercosur (2009 y 2013); la Bienal de San Pablo (2010 y 2016); ‘Surround Audience: The New Museum Triennial’, New Museum, Nueva York (2015); la Bienal de Sharjah (2015); ‘La era metabólica’, Fundación Malba (2015) y ‘Metamorfosi’, Castello de Rivoli, Turín (2018).

Cortesía
Eduardo Navarro es un artista representado por Nara Roesler Gallery, São Paulo, Rio de Janeiro y Nueva York.

Gabriel Chaile

(1985, Tucumán, Argentina)
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina

Gabriel Chaile, Salir del surco al labrar la tierra, 2014. Cortesía del artista.

Gabriel Chaile, Salir del surco al labrar la tierra, 2014. Cortesía del artista.

Diego (Retrato de Diego Núñez) / Diego (Portrait of Diego Núñez), 2018
Estructura de metal, ladrillo, adobe y huevos 2.8 m x 2.6 m x 1.7 m

Ubicación
Paseo costero de La Boca

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, 10h a 18h

Activaciones
Activación comunitaria, domingo 9 de septiembre, 13 a 15h
Activación comunitaria, martes 11 de septiembre, 13 a 15h

Descripción de obra
Cerca de su taller en La Boca, Gabriel Chaile creó una gran escultura biomórfica en adobe, que también funciona como un gigantesco horno de barro. Tomando como punto de partida el interés del artista en la antropología (visible a través de su empleo y reapropiación de los estereotipos coloniales de los pueblos indígenas: los esclavos, los soldados y los héroes de la patria), esta obra es la última de una serie que convierte los motivos precolombinos en monumentales obras de arte contemporáneo. Esta forma en particular puede ser reconocida en las esculturas tucumanas que honran a los cientos de indígenas forzados a trabajar en las minas del norte del país. Instalada en un espacio público muy visible, cerca del puente transbordador de La Boca, la obra se convierte, también, en un punto de encuentro para los transeúntes, en la medida en que la escultura puede utilizarse para cocinar y dar calor. La obra está titulada en homenaje a un joven asesinado en La Boca en 2012, y en su evocación del ritual comunitario de la comida busca volver a acercar a la gente al barrio, en un acto de rememoración y diálogo.

Agradecimientos
Esta obra de arte fue realizada con asistencia del Ministerio de Ambiente y Espacio Público de la Ciudad de Buenos Aires.

Biografía
Gabriel Chaile trabaja con materiales humildes como el adobe, los huevos y la madera, y crea objetos e instalaciones que combinan las tradiciones ancestrales de su propio origen indígena con tópicos socialmente relevantes en el presente.

Originario del Noroeste argentino, Gabriel Chaile estudió artes plásticas en la Universidad Nacional de Tucumán y en 2009 obtuvo una beca para participar del Programa de Artistas de la  Universidad Torcuato Di Tella en Buenos Aires. Desde 2015 participa activamente del colectivo La Verdi, una cooperativa de artistas en el barrio de La Boca. Sus muestras recientes, entre individuales y colectivas, incluyen: ‘El principio de la belleza está en el fin de la misma’, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (2011); ‘Todas las cosas eran comunes’, Galería Alberto Sendros, Buenos Aires (2012); ‘Salir del surco al labrar la tierra’, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires (2014); ‘Hacer con lo hecho’, Museo de Arte Moderno, Cuenca (2015); ‘My Buenos Aires’, La Maison Rouge, París (2015); ‘No es culpa mía si viene el río’, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2015); la Bienal de Montevideo (2016) y ‘Patricia’, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2017).

Cortesía
Gabriel Chaile es un artista representado por ChertLüdde, Berlín.

Leandro Katz

(1938, Buenos Aires, Argentina)
Vive y trabaja entre Buenos Aires, Argentina, y Los Ángeles, Estados Unidos

Leandro Katz. Dos citas (Hegel/Debord), 2015/2018, vinilo, hilo y aguja, dimensiones variables. Cortesía del artista.

Leandro Katz. Dos citas (Hegel/Debord), 2015/2018, vinilo, hilo y aguja, dimensiones variables. Cortesía del artista.

Alfabeto lunar / Lunar Alphabet, 2018
Cemento alisado y bronce, veintisiete azulejos de 80 cm x 120 cm cada uno

Ubicación
Biblioteca Nacional Mariano Moreno

Fecha y hora
Inaugura el jueves 6 de septiembre, sin fecha de cierre.

Descripción de obra
El escritor, artista conceptual y videasta Leandro Katz produjo una reversión de su pieza de 1978, Alfabeto lunar, una serie de fotografías que capturaban la luz cambiante en la superficie de la luna. El trabajo documentaba las veintisiete fases del ciclo lunar, cada una vinculada con una letra del alfabeto, lo que daba un total de letras suficiente para incluir la eñe. Esta nueva versión consta de veintisiete azulejos instalados en la explanada de la Biblioteca Nacional. Cuando fue construida la Biblioteca, los trabajadores a cargo de la excavación encontraron fósiles de gliptodonte (un armadillo gigante), conocidos en la mitología como los “huevos de la luna”. (El descubrimiento fue misterioso, sobre todo, porque la forma del edificio, sostenido por cuatro patas y cubierto como con un caparazón, recuerda la morfología de un gliptodonte.) Cada azulejo fue creado utilizando tres variedades de cemento, separados por líneas de bronce, imitando el diseño de algunas veredas porteñas. Gracias a su emplazamiento único y a su particular construcción, Alfabeto lunar / Lunar Alphabet es tanto un homenaje directo a los importantes libros de astronomía que la Biblioteca Nacional guarda en su acervo, como un guiño a las baldosas de las veredas porteñas, que ocasionalmente incluyen poemas e instrucciones para bailar tango. Una pequeña exhibición de trabajos relacionados puede verse en la Sala Leopoldo Lugones en el nivel inferior de la Biblioteca.

Biografía
Leandro Katz es un escritor, cineasta y artista que ha estado trabajando entre Latinoamérica y Estados Unidos a lo largo de las últimas cuatro décadas. Fue galardonado con la Beca Guggenheim (1979) y también recibió becas del National Endowment for the Arts (1992 y 1995), New York State Council for the Arts (1990), Jerome Foundation (1982 y 1992) y Rockefeller Foundation (1993). Entre sus muestras recientes se cuentan: ‘Encuentros de Pamplona 72: fin de fiesta del arte experimental’, Museo Reina Sofía, Madrid (2009); ‘Imán-Nueva York’, Fundación Proa, Buenos Aires (2010);10000 Lives’, 8va Bienal de Gwangju, Corea del Sur (2010); ‘Leandro Katz: Arrebatos, Diagonales y Rupturas’, Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires (2013); ‘Intersections (after Lautréamont)’, Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami (2015); ‘Borges: Ficciones de un tiempo infinito’, Centro Cultural Kirchner, Buenos Aires (2016); ‘El rastro de la gaviota’, Tabacalera, Madrid (2017); y ‘Proyecto para el día que me quiera y otros fantasmas’, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México, y Proa21, Buenos Aires (2018).

Cortesía
Leandro Katz es un artista representado por Henrique Faria Fine Art, Nueva York y Buenos Aires.

Luciana Lamothe

(1975, Buenos Aires, Argentina)
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina

Zona de inicio, 2018
Tubos de metal, madera enchapada, grampas 6,4 m x 6,4 m

Ubicación
Plaza República Oriental del Uruguay

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, 10 a 20 h

Descripción de obra
Luciana Lamothe, cuyas instalaciones interactivas difuminan la línea entre la arquitectura y la escultura, construyó una torre al aire libre en un espacio verde de la Plaza República Oriental del Uruguay. Sus trabajos hacen referencia al diseño de los puentes de tensión, las explanadas, los porches y otros espacios de paso, y usualmente constan de materiales como madera enchapada, tubos de andamio y hierro que quedan siempre expuestos, como si hiciera un corte a través de un edificio dejando al descubierto su interior. El espectador no solo puede ver una estructura interna que de otra forma sería invisible; también es invitado a subirse a la obra e interactuar con ella. En Zona de inicio, los espectadores pueden escalar la torre de metal y madera enchapada, adquiriendo una inédita vista aérea de la plaza. Con métodos de construcción que son ostensibles, ansiosos y precarios (la torre solo se sostiene mediante grampas), los visitantes pueden sentir una liviandad eufórica, como si estuvieran suspendidos en el aire, o un vértigo terrible, al darse cuenta de la fragilidad de los espacios construidos que habitamos.

Agradecimientos
Esta obra de arte fue realizada con asistencia del Ministerio de Ambiente y Espacio Público de la Ciudad de Buenos Aires. Gracias al generoso aporte de Tenaris. Arquitecto: Guillermo Mirochnic.

Biografía
Luciana Lamothe es una artista conocida por sus esculturas cinéticas, que rememoran distintos elementos de la arquitectura. En 1999 se graduó por la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y, entre 2010 y 2011, participó de la Beca Kuitca en la Universidad Torcuato Di Tella. En 2011 recibió el primer premio en el Lichter Art Award en Frankfurt, Alemania, y obtuvo también el primer lugar en el Premio Itaú Cultural, en Buenos Aires. Sus muestras individuales más recientes incluyen: ‘Contacto’, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2013); ‘Metasbilad’, Prisma KH, Buenos Aires (2016) y ‘Ensayos de Abertura’, Ruth Benzacar, Buenos Aires (2018). Su trabajo fue exhibido en instancias y muestras internacionales como la Bienal de Berlín (2008), ‘Arte in Loco’, Museu da Maré, Rio de Janeiro (2010), ‘Fluiten in het donker’, De Appel, Amsterdam (2011); Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon (2011); ‘Nouvelles Vagues’, Palais de Tokyo, Paris (2013); Bienal de Montevideo (2016); y ‘Lugar: Contingencias de uso’, Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela (2017).

Cortesía
Luciana Lamothe es una artista representada por Ruth Benzacar, Buenos Aires, Galleria Alberta Pane, París y Venecia y Steve Turner Gallery de Los Angeles, EEUU.

Mariela Scafati

(1973, Olivos, Argentina)
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina

Niebla, 2018
Pinturas, prendas de vestir y sogas Medidas variables

Ubicación
Museo de la Cárcova

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, 10 a 18 h

Descripción de obra
Las pinturas abstractas de Mariela Scafati subvierten las expectativas tradicionales del medio. Muchas veces aparecen sin enmarcar, o rodeadas de obstáculos (ropa que cuelga, muebles, soga) o bien salen de la pared como una protuberancia. Formada como diseñadora gráfica, Scafati está inmersa en la teoría del color y la historia del modernismo, y constantemente corre los límites de la disciplina a través de instalaciones que afirman que una pintura no es una imagen sino una puntuación visual en el espacio. Para su instalación de sitio específico en el Museo de la Cárcova, Scafati produjo una serie de pinturas y las dispuso en once agrupaciones que recuerdan la morfología de una figura humana. La transformación de las pinturas bidimensionales en el soporte de una experiencia tridimensional e interactiva es adecuada para La Cárcova, tomando nota de su larga historia como centro de educación de artistas a través de calcos de esculturas procedentes de la historia del arte. La misma Scafati estudió aquí en 1997, cuando se mudó de Bahía Blanca a Buenos Aires para participar en un taller de grabado. Niebla trae

Biografía
Mariela Scafati es una artista contemporánea argentina que experimenta con la abstracción geométrica, el diseño moderno, la performance y los medios alternativos. Es integrante de Serigrafistas Queer y Cromoactivismo. Estudió pintura y diseño gráfico en la Escuela Superior de Artes Visuales, Bahía Blanca. En 1997 se formó en los talleres de pintura de Tulio de Sagastizabal y Pablo Suárez, en La Cárcova, Buenos Aires. Desde 1997 a 2001 formó parte del programa de becas para artistas jóvenes de Guillermo Kuitca. Es agente del Centro de Investigaciones Artísticas en Buenos Aires desde 2010. Sus muestras individuales recientes incluyen: ‘¡Teléfono! En diálogo con Lidy Prati’ en el Centro Cultural Borges, Buenos Aires (2009); ‘Windows’ en Abate Galería, Buenos Aires (2011); ‘Pinturas donde estoy 1998-2013’ en el Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2014); ‘Las cosas amantes’; en Galería Isla Flotante, Buenos Aires (2015); y ‘Handcuff Secrets’ en el stand de Isla Flotante en Art Basel Miami (2017)

Cortesía
Mariela Scafati es una artista representada por Isla Flotante, Buenos Aires.

.

Maurizio Cattelan

(1960, Padua, Italia)
Vive y trabaja en Nueva York, Estados Unidos y en Milán, Italia.

Maurizio Cattelan, Eternity, 2018, vista de la instalación en la Accademia di Belle Arti di Carrara. Foto: Luciano Massari. Cortesía del artista.

Maurizio Cattelan, Eternity, 2018, vista de la instalación en la Accademia di Belle Arti di Carrara. Foto: Luciano Massari. Cortesía del artista.

Eternity, 2018
Instalación de sitio específico, medidas y materiales variables.

Ubicación
Plaza Sicilia

Mapa
Descarga el mapa del cementerio Eternity aquí

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, 11h a 19h

Descripción de obra
Maurizio Cattelan, reconocido por sus esculturas satíricas que muchas veces abordan la cuestión de la vida y la muerte, presenta Eternity, un proyecto colectivo que resulta posible gracias al involucramiento de cientos de participantes del público argentino, instados a contribuir con la obra a través de una convocatoria. Artistas y estudiantes de arte fueron invitados a diseñar y construir tumbas panreligiosas dedicadas a personas que todavía están vivas, sean amigos, amantes, héroes o personajes de ficción. Hace mucho que al artista italiano lo fascinan los cementerios, y las tumbas recrean, en un área de los Bosques de Palermo, un paisaje siniestro, a la vez conmemorativo e irónico, que subvierte las tradiciones, las jerarquías, el paso del tiempo y la muerte. Eternity no solo cuestiona las formas que tenemos de recordar a los muertos sino que también le da crédito a la superstición de que al representar la muerte de alguien le prolongamos la vida. En conjunto, las tumbas constituyen un exorcismo turbador y humorístico de todo posible duelo.

Agradecimientos
Esta obra de arte fue realizada con asistencia del Ministerio de Ambiente y Espacio Público de la Ciudad de Buenos Aires y del Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires. El artista desea agradecerles a todos los artistas que participaron y enviaron propuestas. Gracias especiales a Francesco Bonami por su inspirador apoyo.

Los ganadores del concurso Eternity son:

Originalidad (la lápida más original/ambiciosa)
1.Elena Donato, (en colaboración con Teresa Chiurazzi, Luz Crescini, Luis Díaz, Valentín Díaz, Camila Jalil, Daniela Schnayman y María Paz Millan), Sensación (tiempo muerto)
2. Julieta Nieves, @julifrutal
3. Ivana Boullón, Debora Dora de Chatarra

Ejecución (la lápida más sofisticada en términos de ejecución)
1. Azul Klix, Rocket Man
2. Luna Paiva, Sin esperanza sin temor
3. Fabián Bercic, Tanto Frio

Forma y Composición (la más hermosa en términos de composición formal entre texto y material)
1. Andrés Paredes, Menhir efímero y mortuorio
2. Gustavo Bemerguy, ALA RIP
3. Gisela Arevalos Bustamante, Esponja

Los miembros del jurado son:
Catalina León – Escritora y artista plástica
András Szántó – Asesor de estrategia global de Art Basel Cities
Juan Pablo Vacas – Director general de patrimonio, museos y casco histórico del GCBA

Biografía
Con sus obras que apuntan tanto al arte como a las instituciones en general, Maurizio Cattelan se ha convertido en uno de los artistas más populares y controvertidos de la escena internacional. Oriundo de un zona de clase trabajadora del noreste italiano, donde ya se mostraba como un estudiante rebelde y pobre, Cattelan no tuvo formación profesional como artista, sino que pasó por una gama de empleos extraños, incluyendo la morgue de un hospital. En 2011 su trabajo dio que hablar con una serie de dos mil palomas rellenas que presentó en la 54ta edición de la Bienal de Venecia; poco después, Cattelan declaró que iba a dejar el arte. Sus muestras individuales recientes tuvieron lugar en instituciones como Menil Collection, Houston (2010); ‘WE’, Deste Foundation Project Space, Hydra (2010); ‘All’, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (2011); ‘Amen’, Ujazdowski Castle Centre for Contemporary Art, Varsovia (2012); ‘Kaputt’, Fondation Beyeler, Basilea (2013) y ‘Not Afraid of LOVE’, La Monnaie de Paris (2016). Entre sus obras con sitio permanente en el espacio público se cuenta ´L.O.V.E’. en la Piazza Affari, Milán (inaugurada en 2010), una escultura monolítica de una mano que señala con el dedo medio.

Cortesía
Maurizio Cattelan es un artista representado por Marian Goodman Gallery, Nueva York, París y Londres; Massimo De Carlo, Milán, Londres y Hong Kong; y Perrotin, Nueva York, París, Hong Kong, Seúl, Shanghai y Tokio.

Mika Rottenberg

(1976, Buenos Aires, Argentina)
Vive y trabaja en Nueva York, Estados Unidos

Cosmic Generator (variante de Buenos Aires), 2017
Video. Duración: 26 minutos, 37 segundos [[26’37’]]’

Ubicación
Cuartel de los Bomberos Voluntarios de La Boca

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, 10 a 18 h

Descripción de obra
Mika Rottenberg, reconocida por sus videoinstalaciones que exploran simultáneamente la seducción y la desesperación de nuestro mundo actual, globalizado e hipercapitalista, eligió La Boca, un barrio que fue históricamente un crisol de las culturas de los inmigrantes en Buenos Aires, para su primera exhibición en su Argentina natal. Documentando el caos típico del choque entre culturas, Cosmic Generator (variante de Buenos Aires) sitúa la acción entre el mercado al por mayor de Yiwu, en Zheijiang, China, y las ciudades de Mexicali (México) y Calexico (California), divididas por la frontera. Cada locación está representada por espacios reales – los comercios de artículos de plástico de Yiwu, los puestos de venta al regateo de Mexicali y un restaurant chino en Calexico – pero una absurda secuencia de eventos se apodera del film. En este mundo paralelo, se han creado túneles de ficción que permiten trasladar a las personas y las mercancías entre puntos distantes en el espacio. El film abre una ventana alegórica a un intrincado complejo industrial: la cámara recorre habitaciones, se abisma a lo largo de corredores muy estrechos y atraviesa las paredes para capturar la complicada red que forman el trabajo, el comercio global y los flujos migratorios que caracterizan a la economía contemporánea.

Agradecimientos y créditos
© Mika Rottenberg. Cortesía de Andrea Rosen Gallery, Nueva York, y Galerie Laurent Godin, París. Esta pieza fue encargada originalmente por Skulptur Projekte Münster, y para su producción brindaron un generoso apoyo el Louisiana Museum of Modern Art de Humlebæk (Dinamarca), Outset y Polyeco. Un agradecimiento especial a Plavicon.

Biografía
A través del video y la instalación, las obras de Mika Rottenberg abordan temáticas como el trabajo, el género y las estructuras de poder. Rottenberg obtuvo su título de maestría por Columbia University en Nueva York, en 2004 y tuvo numerosas muestras individuales, como ‘Sneeze to Squeeze’, Magasin 3, Estocolmo (2013); ‘Squeeze: Video Works by Mika Rottenberg’, Museo de Israel (2014); ‘Mika Rottenberg’, Palais de Tokyo, París (2016), Kunsthaus Bregenz (2017) y Bass Museum, Miami Beach (2017-18). Su video NoNoseKnows fue incluido en ‘All the World’s Futures’, Bienal de Venecia (2015), y su film Cosmic Generator, presentado originalmente en Skulptur Projekte Münster en 2017, también fue mostrado en el pabellón estadounidense de la 16ta Bienal de Arquitectura de Venecia(2018). Sus próximas exhibiciones incluyen la inauguración del Goldsmiths Centre for Contemporary Art en Londres, en septiembre de este año, y una muestra

Cortesía
Mika Rottenberg es una artista representada por Galerie Laurent Godin, Paris.

Narcisa Hirsch

(1928, Berlín, Alemania)
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina

Narcisa Hirsch, fotograma de Testamento y vida interior, 1976, película Super 8, 10’38”. Cortesía de la artista

Narcisa Hirsch, fotograma de Testamento y vida interior, 1976, película Super 8, 10’38”. Cortesía de la artista

Una selección de sus primeros films
Proyección continua durante los horarios de apertura

Ubicación
Museo de la Cárcova

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, 10 a 18 h

Descripción de obra

Marabunta, 1967
Película de 16 mm en blanco y negro y color sonora transferida a video
Duración: 7’55’’

Manzanas, 1973
Película de 16 mm en blanco y negro y color sonora transferida a video
Duración: 4’29”

Pink Freud, 1973
Película de 16 mm a color sonora transferida a video
Duración: 8’52’’

Patagonia, 1976
Película de 16 mm a color sonora transferida a video
Duración: 18’08’

Mujeres, 1970-85
Película en Súper 8 sonora transferida a video
Duración: 24’38’’

Testamento y vida interior, 1976
Película en Súper 8 sonora transferida a video
Duración:10’38’’

Los films experimentales de Narcisa Hirsch constituyen un capítulo importante de la historia de las vanguardias en Argentina. Con su exploración de la identidad femenina, la mortalidad, el erotismo y la violencia, su trabajo aborda las principales temáticas políticas de su momento, y conecta el relato personal con la historia social. Hirsch nació en Alemania y emigró a la Argentina a fines de los años treinta. Hacia los años sesenta Hirsch ya había abandonado su formación como pintora para dedicarse a participar en performances y happenings a lo largo de esa década y la siguiente, dando pie a acciones tan legendarias como Marabunta (1967) y Manzanas (1973), que formaron la base de sus primeros films. ‘Rayuela (Hopscotch)’ presenta una selección de sus films tempranos de las décadas del sesenta al ochenta , revelando un capítulo clave en la historia del cine experimental y el arte feminista en Argentina.

Agradecimientos
Un agradecimiento especial a Plavicon.

Biografía
Muy celebrada en la Argentina, pero menos reconocida internacionalmente, Narcisa Hisrch trabajó durante décadas en la producción de films experimentales que describen el cuerpo y la vida doméstica como medios de crítica feminista. En los comienzos de su trayectoria, sus pinturas fueron exhibidas en la Galería Lirolay, uno de los espacios más importantes de la vanguardia porteña hacia los años sesenta. Durante esa década y la siguiente, Hirsch se vinculó con los happenings que transcurrían en Buenos Aires y también colaboró en proyectos como Anthology Film Archives Millennium Film Workshop en Nueva York. Hirsch se convirtió en una figura decisiva de la escena del cine estructural en Latinoamérica, junto a Marie Louise Alemann, Claudio Caldini y Horacio Vallereggio, entre otros. Recientemente fue honrada con retrospectivas en el Festival Internacional de Cine de Viena y el Goethe-Institut en Toronto (2013) y sus trabajos fueron presentados en Documenta Atenas (2017).

 

 

Pia Camil

(1980, Ciudad de México)
Vive y trabaja en Ciudad de México

Pia Camil, The little dog laughed, 2014. Telas teñidas a mano e hilvanadas, 270 cm x 840 cm. Foto: Sam Kahn. Cortesía de Blum & Poe, Los Ángeles/Nueva York/Tokio.

Pia Camil, The little dog laughed, 2014. Telas teñidas a mano e hilvanadas, 270 cm x 840 cm. Foto: Sam Kahn. Cortesía de Blum & Poe, Los Ángeles/Nueva York/Tokio.

La remera de Gaby, 2016
Alrededor de trescientas remeras de segunda mano 3 m x 34 m

Ubicación
Ex Cervecería Munich

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de lunes a viernes, 11 a 18 h Sábados y domingos, 10 a 20 h

“Peep show” activaciones de La remeras de Gaby por Diana Szeinblum
Sábado 8 de septiembre, 17 h
Miércoles 12 de septiembre, 17 h

 

Descripción de obra
La remera de Gaby
es una obra de arte interactiva compuesta de remeras de segunda mano, de la artista mexicana Pia Camil, muy conocida por sus coloridas esculturas realizadas a partir de prendas e insumos textiles. Situada en la planta baja de la antigua Cervecería Munich, en su momento un centro de expatriados alemanes en la Buenos Aires de 1920, la obra reafirma el pasado que tuvo el edificio como punto de reunión y al mismo tiempo habla sobre la migración de los bienes de consumo y los motivos culturales en la actualidad. Las remeras, originalmente producidas en distintos países de América Latina, fueron primero vendidas en los Estados Unidos, luego descartadas como basura y revendidas en mercados de segunda mano, como el de Iztapalapa en Ciudad de México, donde Camil las adquirió. Con la ayuda de costureras mexicanas, la artista produjo un ensamblaje que, a partir de estas prendas descartadas, toma la forma de una impactante cortina que va del techo al piso y afirma la democracia de sus materiales: los espectadores pueden tocarla, pasar de un lado al otro, abrirla y cerrarla a gusto. Durante la exhibición, en horarios prefijados, un grupo de performers va a interactuar con la obra. Al convertir bienes descartados en una obra de arte, Camil reflexiona sobre la dirección que asume la colonización económica.

Cinco performers/bailarines trabajarán un formato de improvisación que evolucionará en el tiempo establecido aproximado de 90 minutos. Los performers parten de elementos y premisas simples, para llegar a movimientos y experiencias máximas. Las consignas se desarrollan a partir de premisas ropa, tela, agujeros, agarres, para luego derivar en la idea de textura, piel, carne, y cuerpo. El público deberá ver la performance haciendo una acción que dará la clave y comienzo al trabajo de los performers.

Participan: Andres Molina, Alina Marinelli, Margarita Molfino, Pablo Castronovo y Jimena Pérez Salerno.

Agradecimientos
Cortesía de Galerie Sultana, París. Agradecimientos especiales a la Embajada de México en Argentina y a Tenaris.

Biografía
Reconocida por sus instalaciones participativas, construidas con materiales textiles que entrelazan lo artesanal y la práctica social, Pia Camil se graduó por Rhode Island School of Design y luego obtuvo su título de maestría en Slade School of Fine Art, Londres. Su trabajo fue mostrado en todo el mundo; entre sus recientes muestras individuales en museos podemos mencionar: ‘Cuadrado negro’, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz (2013); ‘Skins’, Contemporary Arts Center, Cincinnati (2015); ‘A Pot for a Latch’, New Museum, Nueva York y Shrem Museum of Art, University of California, Davis (2016); ‘Divisor Pirata’, Nuevo Museo de Arte Contemporáneo, Ciudad de Guatemala; ‘Bara, bara, bara’, Dallas Contemporary (2017); ‘Fade into Black’, Savannah College of Art and Design Museum of Art (2018); ‘Telón de boca’, Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México (2018) y por último ‘Split Wall’, Nottingham Contemporary (2018).

Cortesía
Pia Camil es una artista representada por Blum & Poe, Los Ángeles, Nueva York y Tokio; Galerie Sultana, París; Galería OMR, Ciudad de México; e Instituto de Visión, Bogotá.

Santiago de Paoli

(1978, Buenos Aires, Argentina)
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina

Santiago de Paoli, Nuevas sensaciones, 2017, óleo sobre fieltro, 46cm x 47cm. Cortesía del artista.

Santiago de Paoli, Nuevas sensaciones, 2017, óleo sobre fieltro, 46cm x 47cm. Cortesía del artista.

Tiempo libre, 2018
Yeso, leche y pigmento, entre veinte y veinticinco elementos, cada uno de 35 cm x 45 cm

Ubicación
Museo de la Cárcova

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, 10 a 18 h

Descripción de obra
El pintor, escultor y artista de la instalación Santiago de Paoli produjo una nueva serie de pinturas, Tiempo libre, para instalarla en el Museo de la Cárcova, así llamado en honor de su fundador, el artista Ernesto de la Cárcova. El museo hospeda más de setecientos calcos y reproducciones de esculturas egipcias, asirias, grecorromanas, góticas y renacentistas cuyos originales pertenecen a distintos museos de Europa, y fue establecido en 1928 con fines educativos, para que los estudiantes de arte pudieran apreciar las obras maestras de la historia del arte a través de réplicas confiables. De Paoli propone un trabajo omnívoro y procesual, que va de instalaciones escultóricas que mezclan objetos encontrados con estructuras abstractas a pinturas que enlazan las partes del cuerpo humano con formas simbólicas. El artista encontró un terreno fértil para el despliegue de su producción en el entorno del museo de calcos. Al momento de realizar este conjunto de trabajos, de Paoli estableció inmediatamente un diálogo con la colección del museo, poniendo a prueba en su propia obra las técnicas y los materiales utilizados habitualmente en las reproducciones. Por último, colgó sus piezas a lo largo del recorrido del museo, en conversación continua con las obras de la colección.

Biografía
Con sus dibujos y pinturas ejecutados sobre soportes inusuales como el fieltro y el yeso, Santiago de Paoli mezcla la figuración y la abstracción con algunos elementos surrealistas, un efecto que suele acrecentarse en sus instalaciones poéticas compuestas de objetos aparentemente incongruentes. En 2004 de Paoli se graduó por el Atlanta College of Art y en 2006 fue residente en la Skowhegan School of Painting and Sculpture. Entre sus muestras recientes se cuentan, entre otras: ‘Mendoza’, Mendoza 2321, Buenos Aires (2014); ‘Omnidireccional’, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2015); ‘Pescado y Papas’, Wireless Ridge, Puerto Argentino, Islas Malvinas (2015); ‘Entre nosotros y el objeto’, Móvil, Buenos Aires (2016); ‘José Antonio Suarez Londoño y Santiago de Paoli’, Lulu, Ciudad de México (2017); ‘Symbolisms’, Cooper Cole Gallery, Toronto (2017) y ‘Dormir au soleil’, Galerie Jocelyn Wolff, París (2018).

Cortesía
Santiago de Paoli es un artista representado por Galerie Jocelyn Wolff, París.

Stan VanDerBeek

Estados Unidos
(1927, Nueva York, Estados Unidos, 1984, Baltimore, Estados Unidos)

Stan VanDerBeek, Cine Dreams: Future Cinema of the Mind, 1972, vista de la instalación en el Civico Planetario Ulrico Hoepli, Milán, 2014. Foto: Marco De Scalzi. Cortesía de Fondazione Nicola Trussardi.

Stan VanDerBeek, Cine Dreams: Future Cinema of the Mind, 1972, vista de la instalación en el Civico Planetario Ulrico Hoepli, Milán, 2014. Foto: Marco De Scalzi. Cortesía de Fondazione Nicola Trussardi.

Sueños de Cine: El futuro cine de la mente, 1972
Instalación multimedia, proyección en sala del planetario durante toda la noche. Duración: 8 h.

Ubicación
Planetario Galileo Galilei

Fecha y hora
Jueves 6 de septiembre, 19 a 3 h
Viernes 7 de septiembre, 19 a 3 h
Sábado 8 de septiembre, 21 a 5 h

Descripción de obra
Cine Dreams
de Stan VanDerBeek tuvo lugar originalmente a lo largo de tres noches, en 1972, en Rochester, Nueva York, con apoyo del Visual Studies Workshop. La obra apunta a ser vivenciada colectivamente a lo largo de sucesivos ciclos de sueño, como un experimento capaz de alterar nuestro inconsciente a través de una experiencia visual inmersiva.

La versión que presentamos incluye veinticinco proyecciones simultáneas que constan de cuarenta y siete films pasados a video y cinco series de diapositivas digitales. Animaciones computarizadas, fragmentos extraídos de noticieros televisivos, danza en vivo, imágenes encontradas y films compuestos como collages se yuxtaponen y contrastan para crear una visión intensa de la vida en Estados Unidos durante el siglo XX, tal como pudo procesarla una de las mentes más adelantadas del momento. También forman parte de este collage continuo de imágenes y sonidos una secuencia de imágenes en circuito cerrado del público asistente a la proyección y tomas en vivo del cielo nocturno. Se permite llevar almohadas y mantas para pasar la noche con toda comodidad, y al término del evento se tomará registro detallado de los sueños transcurridos.

¿Qué efecto tienen las imágenes si se las sobreimprime en los contornos del tiempo de sueño? ¿Dormimos de una forma absolutamente individual y preconcebida? ¿Qué posibilidades tenemos de diseñar nuevos rituales sociales a través de las tecnologías multimedia para unificar una conciencia grupal? ¿Es posible encontrar una imagen común mítica, una referencia no verbal con la que un grupo entero pueda identificarse y relacionarse? ¿Este es el futuro del cine, ser una nueva ‘fábrica de sueños’?

Stan VanDerBeek, 1972

 

Créditos y agradecimientos
Cortesía del Archivo Stan VanDerBeek.

Biografía
Stan VanDerBeek fue un prolífico artista multimedia, reconocido como un pionero del cine experimental y las nuevas tecnologías aplicadas al arte. Estudió en The Cooper Union for the Advancement of Science and Art, en Nueva York (1948-1952) y en Black Mountain College, Asheville, Carolina del Norte (1949-1950). Entre las exhibiciones que han presentado su trabajo recientemente se cuentan: ‘Stan VanDerBeek: The Culture Intercom’ en MIT List Visual Arts Center, Cambridge, Massachusetts, y luego en Contemporary Arts Museum Houston (2011); la 55ta edición de la Bienal de Venecia (2013); ‘Leap Before You Look: Black Mountain College, 1933-1957 en Institute of Contemporary Art, Boston (2015); ´Dreamlands: Immersive Cinema and Art, 1905-2016’ en Whitney Museum of American Art, Nueva York (2016); ‘Merce Cunningham: Common Time’ en Walker Art Center, Minneapolis (2017); y ‘Delirious: Art at the Limits of Reason, 1950-1980’ en Met Breuer, Nueva York (2017). Para este año está planificada ‘Judson Dance Theater: The Work is Never Done’ en el MoMA, Nueva York, donde también podrá apreciarse su obra.

Cortesía
El artista es representado por The Box, Los Angeles.

Vivian Suter

(1949, Buenos Aires, Argentina)
Vive y trabaja en Panajachel, Guatemala

Vivian Suter, Learning from Athens, vista de la instalación en el Pabellón Pikionis, Documenta 14, Atenas, 2017. Cortesía de la artista y Karma International, Zúrich/Los Ángeles.

Vivian Suter, Learning from Athens, vista de la instalación en el Pabellón Pikionis, Documenta 14, Atenas, 2017. Cortesía de la artista y Karma International, Zúrich/Los Ángeles.

Sin título, 2018
Acrílico y pigmento sobre tela, medidas variables

Ubicación
Ex Cervecería Munich

Fecha y hora
Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre
De lunes a viernes, 11 a 18 h
Sábado y domingo, 10 a 20 h

Descripción de obra
La artista argentino-suiza Vivian Suter ofrece una perspectiva ambiental sobre la pintura, al instalar sus grandes lienzos sin embastar a la intemperie, a merced de las hojas secas, la lluvia y el barro. Para su primera exhibición en su Argentina natal, Suter produjo una serie de nuevas pinturas que cuelgan sueltas, sin ningún tipo de marco, en el porche de la antigua Cervecería Munich. Las pinturas fueron realizadas en Guatemala, más precisamente en el colorido pueblo de Panajachel, junto al lago Atitlán. En su producción, Suter otorga un papel activo a los elementos de la naturaleza, trabaja en medio de la vida salvaje que rodea su casa y su taller, y deja que la pintura absorba los rastros de la fruta caída, los animales que pasan y las condiciones meteorológicas. Cuando termina cada obra, prefiere colgarla suspendida en el espacio antes que enmarcarla, moviéndose así entre la pintura y la escultura. Al colgar sus cuadros del techo de la entrada cubierta de la antigua cervecería, Suter forma con ellos una membrana permeable entre la naturaleza y la civilización.

Agradecimientos
Vivian Suter es una artista representada por Karma International, Zúrich y Los Ángeles; Gladstone Gallery, Nueva York y Bruselas; House of Gaga, Ciudad de México; y Proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala. Un agradecimiento especial a Tenaris.

Biografía
La artista suizo argentina Vivian Suter es una pintora contemporánea reconocida por incluir en su producción a los elementos de la naturaleza para que intervengan y le den forma a la obra. Entre las muestras individuales de Suter en la escena internacional se cuentan: ‘Intrépida, Featuring Elisabeth Wild Fantasías’, Kunsthalle Basel, Basilea (2014); ‘Panajachel’, The Mistake Room, Los Ángeles (2015); ‘Lejos’, House of Gaga, Ciudad de México (2015) y Karma International, Zúrich (2015) y Los Ángeles (2017). Su obra también fue exhibida en muestras colectivas recientes como ‘Olinka, or Where Movement is Created’, Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México (2013); la Bienal de San Pablo (2014); Documenta 14, Kassel y Atenas (2017) y ‘Using Floors, Walls, and Ceilings’, en Jewish Museum, Nueva York (2017). Entre sus próximas exhibiciones se cuentan: ‘El Basque Interior’ en el Art Institute of Chicago, High Line Art en Nueva York y The Power Plant en Toronto.

Cortesía
Vivian Suter es una artista representada por Karma International, Zúrich y Los Ángeles; Gladstone Gallery, Nueva York y Bruselas; House of Gaga, Ciudad de México; y Proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala